En Mayo se llevó a cabo reunión de Ópera en México

Fue establecida con la aparición de más de 15 instituciones de la región Latinoamericana, con la importantísima participación de instituciones de países como Brasil, Chile, Argentina y Colombia, entre otros.

La sede de la Primera Reunión de la Opera Latinoamericana, con sus siglas OLA, fue establecida en la ciudad de México en su distrito capital, en la que por primera vez participó España, en conjunto con los países de Latinoamérica.

Esta decisión de designar dicha reunión para este periodo y en dicha sede, se tomó en el transcurso de la reunión celebrada en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, durante la celebración del Teatro Colón ubicado en dicha ciudad.

En esta reunión de Ópera se establecieron evaluaciones referentes a los logros obtenidos por esta organización, lo que supuso un tema de absoluto interés por parte de los participantes, tomando en cuenta que era la primera vez que se ponía en velo la incorporación de ciertos países como parte de la OLA.

Sin embargo la reunión fue acogida de manera positiva, llevando incluso a la posible incorporación de más Estados y a la realización de más reuniones en dicha sede que ha sido una maravilla, en trato y en instalaciones.

La discusión referente a las producciones y coproducciones artísticas, llevadas a cabo mediante la participación de diversas instituciones, recibió un importante apoyo, el cual no había recibido en la reunión del pasado diciembre, en la que se debatieron puntos referentes a las transmisiones en línea y que hoy han sido sin duda alguna un pilar de manifestación para este arte en gran parte de Latinoamérica y el mundo.

El intercambio de información no podía faltar, y es que la incorporación de la tecnología ha traspasado todas las barreras posibles, pues este medio es el que ha sido más discutido en las últimas reuniones de la OLA, ya que la aplicación de estos medios podría ofrecer una alta promoción al arte y a la práctica del mismo.

Por último el apoyo inconmensurable a los artistas participantes y a los que forman parte de esta organización en particular, en conjunto con los artistas que se encuentran luchando para cumplir sus sueños a nivel mundial.…

La figura del DeeJay

La figura del DeeJay ha sido elemental para servir de sostén a la evolución de la música electrónica en los últimos lustros. Algunos de estos DJs se han convertido en auténticos fenómenos de masas, capaces de movilizar a millones de jóvenes a golpe de sintetizador, secuenciador y mesa de mezcla, o simplemente con pinchar música y deslizar suavemente las sutiles huellas de sus dedos sobre un disco o sobre los botones de los controles.

El último DJ que ha jugado este papel de gran revolucionario de la música no es otro que es Steve Aoki. Es extraño cómo el nombre de Aoki, más asociado en nuestro país al motociclismo (hace años que los hermanos Aoki corrían en los 500cc y eran rivales de pista del piloto español Álex Crivillé), no tiene apenas repercusión mediática en los medios de comunicación españoles. No le hace falta. Sin llegar a ser contracultura ni un elemento contestatario (nada más lejos de la realidad), Aoki logra que los jóvenes investiguen en otras músicas distintas a las que los medios convencionales promueven. Y así, millones y millones acaban topándose con él.

Con temas musicales como ‘Pursuit of hapiness’ ha llegado incluso a superar los cien millones de reproducciones en Spotify. Nacido en Miami y de ascendencia japonesa, Steve Hiroyuki Aoki combina con enorme éxito por todo el mundo estilos como el electro house, el drum and bass, el indie dance, el moombahton o el electro house.

La revista DJMag, que se encarga de analizar cuáles son los mejores DJs del mundo y de lanzar una serie de encuestas para acordar sus rankings, ha estimado que Steve Aoki se encuentra en el puesto número 10. Aoki es también conocido, además de por sus temas y de por sus masivos conciertos, por ser el creador de la firma discográfica Dim Mak Records, que en estos días es toda una referencia para la música electrónica.…

Dubfire

También conocido como Dubfire, Ali Shirazinia nace en Mashhad Irán, el día 19 del mes de abril en el año 1971. Es un DJ y productor que en la actualidad  reside en Washington, también se le conoce por ser la mitad del dúo Deep Dish.

A temprana edad se traslada junto a sus padres iraníes a Washington, en donde pasó su juventud, en la cual escuchaba géneros como Jazz, hip hop, Dub Reggae y New Wave, estos géneros influenciaron en gran parte a Ali, se puede notar en cada una de sus canciones, aunque este también tuvo una fuerte influencia por el punk local así como por bandas ubicadas en Washington en su momento tales como Minor Threat y Fugazi.

El famoso DJ se junta con su compañero Sharam Tayebi para crear Deep Dish, un dúo con una gran influencia de House y a los cuales se les considera los creadores del género Deep House, quienes han mezclado canciones para The Rolling Stones, Tina Turner, Michael Jackson, Madonna, Dido, Eminem y más artistas reconocidos y ganaron el Grammy en el 2002 para mejor canción Remixada.

En el 2006 Ali toma otro camino para inclinarse hacia el género Tech House más minimalista, su sonido como solista es bastante diferente al del Deep Dish y crea una de sus primeras canciones “Feel Speed” que es una versión propia de la canción de una banda de los 80 que se hacía llamar Love and Rockets.

Lanza su sello SCI+TEC en el 2007 Digital Audio con el que edita sus primeras producciones con el estilo minimalista, entre los que se encuentran “RibCage”  y “Roadkill”.

Debido a este último llamó el interés del productor Richie Hawtin, quien decidió incorporarlo a su reconocida empresa discográfica M-Nus. Sin duda Dubfire es uno de los grandes nombres de la música electrónica en la actualidad, y a pesar de su edad, sigue estando muy involucrado, participando incluso en el festival ULTRA de este año.…

Música Lírica: referencia de Italia

La lírica, según la Real Academia Española, es un género literario que generalmente  trata de comunicar mediante el ritmo e imágenes los sentimientos o emociones íntimas del autor.  La ópera está caracterizada por una fina musicalidad y porque expresa unos sentimientos del hablante lírico, representando subjetividad.

En el año 1600, con el surgimiento de la magnífica ópera en Florencia, el fabuloso canto lítico tomó una relevancia inigualable en Italia. Las operetas u óperas fueron representadas en cortes. En el nacimiento de la ópera los más grandes exponentes fueron Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Mozart, entre otros.

En la década de los 50 del siglo diecisiete aproximadamente es cuando se comienza a llevar la ópera a los teatros, y luego de esto, obras de Shakespeare fueron representadas con canto lírico, y la de muchos otros autores también. Ahora, en el siglo diecinueve es cuando la ópera tuvo su época de oro con exponentes de la clase de Rossini, Wagner, Bellini, Puccini, Donizetti y Gounod.

En Italia  su cultura musical identifica su gentilicio, y esa cultura musical  oscila en una gran gama que comprende tanto la música clásica de tipo instrumental como la ópera así como la música autóctona.

Italia fue una tierra de gracia infinita que fue cuna de compositores universalmente conocidos, como Paganini, Puccini, Donizetti Rossini, Verdi, Salieri, Vivaldi o Tartini. Siendo la ópera originaria de Italia, ha sabido mantenerse a través de los siglos, desarrollándose básicamente en Florentina, Nápoles y Venecia con Monteverdi, Scarlatti y Donizetti (siglo 16); Verdi (siglo 19); Boito, Leocavallo, Mascagni (siglo 20)

Aunque en la época contemporánea fue menos apreciada (influencia del contexto bélico, económico y político) la ópera sigue siendo una parte importante de la cultura italiana y existen muchos teatros dedicados a su difusión y presentación: Arena de Verona, La Scala de Milán, Teatro Regio, Teatro principal de Venecia, Teatro dell’Opera en Roma, Termas de Caracalla, Teatro San Carlo en Nápoles, entre otros exponentes.…

Daft Punk

Si el dúo alemán Modern Talking llevó a cabo una auténtica revolución de la música electrónica en la década de los 80, poco después fue un dúo francés el que volvió a dinamitar el mercado de lo electrónica y las tendencias de la música electrónica. Hablamos, lógicamente, de Daft Punk, todo un fenómeno de la industria discográfica y de los nuevos formatos en los que los usuarios reproducen música.

dpEl prestigio de Daft Punk en el universo de la música electrónico queda patente con los reconocimientos y premios cosechados a lo largo y ancho del planeta. Por ejemplo, en 2014 se alzaron con el galardón de Mejor artista de música electrónica/dance en los Premios World Music Awards; en esta misma cita, también en 2014, fueron reconocidos nada más y nada menos que con el mérito de ser el Artista francés con más ventas a nivel mundial, merced al trabajo ‘Random Access Memories’. Mismo disco y mismo grupo fueron también reconocidos en aquel maravilloso 2014 con los reconocimientos de Mejor artista electrónico y Mejor álbum electrónico en los Premios Billboard Music Awards. No obstante, Daft Punk también ha recibido varios galardones en los Premios Grammy, así como varias nominaciones en los MTV Europe Music Awards.

La música electrónica es el campo genérico en el que podríamos englobar las creaciones de Daft Punk. Aunque como los músicos franceses Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bengalter son almas libres, los diferentes géneros y estilos entre los que se han desenvuelto a lo largo de estas más de dos décadas son bastante amplios; así, la música house, el french house, el funk, el dance, el synthpop y el rock electrónico han ido entrelazándose, dando como resultado un producto sonoro muy personal, con el sello distintivo de Daft Punk. Incluso en los primeros días de la banda, grupos históricos del rock y del pop, como The Rolling Stones o The Beach Boys, sirvieron de inspiración a Daft Punk. Luego con ellos llegó la invasión electrónica francesa.…

Drum n’ Bass

El estilo conocido como Drum N Bass nace en 1991  en el Reino Unido, siendo un ritmo que no se había escuchado antes fue llamado también como Hardcore, así mismo, este no puede faltar en una fiesta en la actualidad, teniendo, hoy en día, muchos grandes exponentes del género tales como Nero, Pendulum, Noisia, Netsky, Fresh y muchos más. También podría decir que marca el fin de la era del género underground. Debido a los malos comerciales y pésima difusión en los últimos años no se ha aportado mucho más a este género.

Se podría decir que este ritmo nace en base a lo mejor que se pudo tomar del Jazz, Hip Hop, Techno, house y reggae. Al pasar el tiempo, de este mismo género nació el Happy Hardcore que consta básicamente de ritmos acelerados, como voces y piano, al punto de utilizarlos como fondos o pistas, también se crea el Jungle/DnB el cual utiliza más ritmos tropicales, de Jamaica, como el Reggae, timbales y hip hop acelerado.

Quienes le dieron impulso y fuerza al género al principio  de los 90 fueron emisoras clandestinas de Inglaterra y los sistemas de sonido de festivales como “Nothing Hill”, aparece este ritmo que se basa en una polirrítmia extremadamente rápida y de ahí su nombre Drum N Bass (Tambor y Bajo).

Los ritmos más utilizados en este género son el Amen que proviene del grupo The Winstons de su canción Amen Brother. Se podría decir que otro ritmo pertenece al tema Think de Lynn Collins. Con la incursión de Rupert Parkes también llamado Photek esta música toma un tono serio y complicado, aportando novedad con la estructura poco convencional de sus Breakbeats.

Con el sello de cada productor este género se fue alejando cada vez mas de sus raíces de Acid House, estos se vuelven más complicados, cada vez con más cantidad de breakbeats de autores diferentes. En una época, artistas como David Bowie y Everything but The Girl buscaron tener su propia B-side en clave de Drum n Bass.…

Gioacchino Rossini: todo un maestro

Gioaccino Antonio Rossini nació en Pésaro (Italia) para el año 1792 y muere a los 76 años en Paris (Francia) en 1868. De padres artistas, su padre corista y su madre cantante. Estudió en el conservatorio de Bolonia y a los dieciséis años, bajo la tutela de Stanislao Mattei, compuso una cantata por la que ganó un premio.

Fue un compositor de pocos fracasos iniciales y enormes éxitos a lo largo de su vida, afianzándose como uno de los grandes de la ópera en su época antes de cumplir los veinticinco años de edad. Dentro de su vasta producción crea obras en los géneros serios, semi serios y bufos. Entre sus óperas bufas se encuentran Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola o L’italiana in Algeri, dentro del género serio compuso Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia.

rossiniYa establecido en París escribe en 1829 la ópera Guillermo Tell inspirada en los ideales de lucha por la libertad, independencia, amor paterno y búsqueda de la justicia, encarnados en ésta figura y  se dice que fue la consagración definitiva de Rossini. Luego de Guillermo Tell, Rossini dejó de componer óperas, aunque no se desligó del mundo de la música.

En su vida amorosa destacan dos mujeres, Isabella Colbran para quien compuso  el rol principal de Elisabetta, además este reconocido compositor fue el creador del papel de Desdémona para ella en el año 1816, también en el mismo año de Lisetta, en su obra La Gazzetta. En el año 1818 de Elica en su obra Moisés, y muchas otras a lo largo de los años en su carrera como creador de óperas de alto renonmbre.

Su otro amor  fue  Olympe Pélissier,  modelo y notable figura de la sociedad de Paris. Entre sus obras más notables están La gazza ladra, Guillermo Tell, Armida, Stabat Mater, El barbero de Sevilla, La Cenicienta.

En vida recibió  distinciones como la Orden del Mérito de las Ciencias y las Artes.…

Modern Talking

Tuvo que venir la música electrónica de Modern Talking para que en Alemania un grupo de música popular llegara a la impactante cifra de más de 120 millones de discos vendidos. Es cierto que el país germano fue uno de los más importantes siglos atrás en lo que a la música clásica se refiere, con compositores tan brillantes como Beethoven.

Pero en lo que a músicas populares del siglo veinte se refiere, los alemanes siempre han vivido a la sombra de los anglosajones y de los norteamericanos, e incluso se han mantenido lejos del éxito que las músicas españolas, francesas o italianas lograban. Quizá la brusquedad del idioma alemán y lo poco armonioso de que forme parte de una melodía han dificultado este proceso.

No obstante, cantando en inglés, aparecieron Modern Talking, un dúo alemán de música electrónica que conquistó el mundo con su música. El synthpop, el eurodisco o el eurodance se entrelazaban en los lanzamientos musicales de Modern Talking. El cantante Thomas Anders y el productor Dieter Bohlen conformaron durante años el grueso de este afamado grupo, por el que también pasaron en calidad de colaboradores puntuales músicos como Rolf Köhler, Michael Scholz, Birger Corleis o Detlef Wiedecke.

De esta forma, Modern Talking lograban poner a Alemania en el centro del panorama de la música electrónica de los años 80, devolviendo a las tierras germanas el prestigio de sonidos electrónicos que ya en los 70 habían alcanzado de la mano de Klaus Schulze, todo un pionero en hacer música con sintetizadores y secuenciadores.

El sonido de Modern Talking, visto en perspectiva con los años, ha quedado asociado a la música electrónica y pegadiza de la década de los 80. En aquellos años, las emisoras de televisión de barrios, los vídeos comunitarios de pago y las radios piratas, que irrumpieron con muchísima fuerza en España, empleaban hasta la saciedad las canciones de Modern Talking en sus programaciones.…

Barbero de Sevilla: de esas óperas que no se pueden criticar

El Barbero de Sevilla, obra de Gioaccihino Rossini, nacido en Pésaro, Italia el 29 de febrero de 1792, de padre corista y madre cantante. Estudió música con su padre y en el Conservatorio de Bolonia, fue autor de  37 óperas y una serie de cantatas, himnos, coros y obras religiosas. Entre sus obras, El Barbero de Sevilla pertenece al género de la ópera bufa, creada  en sólo tres semanas, dando muestras de inspiración, produciendo una música graciosa, melódicamente acertada, ágil e ingeniosa.

Los personajes principales del Barbero de Sevilla son: Rosina (bella joven sevillana), Doctor Bartolo (protector y tutor de Rosina), Conde de Almaviva (Lindoro), Fígaro (Barbero) y Don Basilio (maestro de música).  El estreno  tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina de Roma, el cual estuvo signado por una serie de inconvenientes y accidentes lo que ocasionó que el público asistente abucheara la representación, convirtiéndose así en un rotundo fracaso.

En la ópera se muestra la historia de amor entre Rosina y Almaviva, quienes son ayudados por Fígaro, el cual se las arregla para que Lindoro (Conde de Almaviva) se haga pasar por diferentes personajes, entre ellos un soldado borracho y un sustituto de maestro de música y de ésta manera crear todos los obstáculos posibles para que los planes del Doctor Bartolo de casarse con Rosina no se lleven a cabo. Fígaro, luego de muchos tropiezos y enredos logra que la joven pareja  absortos de amor contraen  matrimonio teniendo como testigos a Fígaro y Basilio,  Bartolo se tranquiliza al saber que puede quedarse con la dote de Rosina, el verdadero motivo por el cual quería casarse con ella.

Como dato curioso, la ópera El Barbero de Sevilla después del fracaso de la primera representación, tanto en Italia como en Francia, fue un éxito rotundo y lo sigue siendo hasta hoy en día, siendo una de las óperas más populares ocupando el puesto número 7 de las cien óperas más representadas para el período 2013-2014 según las estadísticas de operabase.…

Historia: Major Lazer

El grupo estadounidense Major Lazer, quienes fusionan electro house con reggae y dancehall, nace de la idea de los productores DJ Diplo y Switch, después de que este último dejara el proyecto por diferencias artísticas, los DJ Jillionaire y Walshy Fire de la banda Black Chiney se unen en el 2011 quienes desde entonces colaboran también con las presentaciones en vivo.

Como sabemos el grupo comienza como un dúo que produce canciones y proyectos para artistas con una larga trayectoria como M.I.A. y Santigold, estos grabaron su primer albúm al cual titularon “Guns Don’t kill people… Lazers do” en los estudios Tuff Gong (Jamaica), en el que participaron varios cantantes de dancehall tales como Ward 21, Vybz Kartel, Busy Signal, Turbulence, Mr Vegas, T.O.K. y Leftside, entre otros.

Más productores adicionales tuvieron participación en los álbumes de este famoso grupo de DJs como Afrojack (Holanda) y el dúo Croockers (Italia), fue lanzado por los sellos Downtown Records y Mad Decent, sello que pertenece a Diplo. “Hold the line” así se tituló su primer sencillo, el cual contaba con un video dirigido por Ferry Gouw, que fue nominado en los MTV VMA como “Video Revelación” y para mayo del 2010 ya habían lanzado el mixtape “Lazerproff”, el cual tuvo la colaboración de la banda La Roux, haciendo mezclas desde R&B hasta Dubstep y Drum&Bass. En el mismo año también se hizo el lanzamiento de un EP “Lazers Never Die” con la colaboración de M.I.A y Buraka Som Sistema.

En el 2011, después de que Switch dejara Major Lazer, este fue reemplazado por los antes mencionados Jillionaire y Walsh Fire. En el 2012 la banda No Doubt anuncia que la única colaboración en su reciente material en ese momento Push and Shove sería con Major Lazer, y también colaboró con Snoop Lion en el álbum Reincarnated.

Apocalypse Soon fue un EP lanzado en Febrero del 2014 el cual cuenta con colaboraciones de artistas como Pharrell Williams y Sean Paul. Para el 2015 Contaron con la colaboración del DJ y productor DJ Snake y la cantante danesa MØ para su sencillo “Lean On” el cual se convirtió en un éxito mundial.…