Prestigio en la musica electronica

Si quisiéramos sentar cátedra y atrevernos a decir cuáles son las mejores canciones de música electrónica, a buen seguro que saldrían fans de este estilo a llevarnos la contraria y a decirnos cuáles son realmente, en función de sus criterios, los mejores temas con el sello de lo electrónico como característica principal.

Y la disparidad de criterios y opiniones se amplía si tenemos en cuenta la enorme extensión que la música electrónica abarca y lo laxas que son sus barreras. Subgéneros como el trance, el techno, el hard bass o dubstep cobran protagonismo en la electrónica y aspiran a ocupar su trono.

Pero tal vez se pueda llegar a un determinado consenso entre los aficionados a la música electrónica y establecer una serie de patrones inamovibles para resaltar qué no debería faltar en una buena lista de éxitos de la electrónica más actual. Seguro que casi todos coincidiríamos en que entre los artistas imprescindibles de estos días se encuentran gente como Calvis Harris, David Guetta y Borgore.

El prestigio del Dj y productor francés David Guetta va a más. Máximo exponente de la música electrónica que acontece, ha sido elegido incluso para realizar la canción oficial de la Eurocopa de fútbol que este verano se realizará en su país, que no es otra que ‘This one´s for you’. Uno de los temas quizá más reseñables de electrónica de Guetta puede ser ‘Dangerous’, interpretado junto a Sam Martin.

Calvin Harris, por su parte, es un DJ, cantante y productor escocés que goza de gran éxito también en la actualidad, centrando su revisión de la música electrónica en estilos como el electropop, el house o el dance. Temas tan impactantes como ‘Blame’ u ‘Outside’ son cosecha de este artista.

Músicos imprescindibles de la electrónica de estos días completarían los puntos de acuerdo de los seguidores, gente como Watermät, Borgort u OMI.…

El tenor Venezolano: Alfredo Sadel

Es indudablemente el cantante lirico más importante en la historia musical venezolana, pues es conocido en el país como el Tenor favorito de Venezuela. Nacido en caracas el 22 de febrero de 1930, ya en su infancia mostró un increíble interés por la música, la cual sería su vocación en el trascurso de todos sus años, pues nunca pensó en algo distinto a la música, participando en coros escolares y demás actividades que tenían que ver  estrictamente con este arte.

A pesar de que sus estudios se vieron mermados por la situación financiera que vivió su familia para la época de 1944 en su vida tuvo dos importantes personajes afectos a la religión que se encargaron de impartirle conocimientos de música y artes escénicos, estos eran conocidos por Sadel como el Padre Calderón y Sidi, los sacerdotes del colegio salesiano donde Alfredo estudio.

En el año 1948 Sadel tuvo uno de los momentos más impactantes de su vida y de los más importantes, pues se produjo su primer disco de producción en el país, que posteriormente se convirtió en un exitazo de ventas, la denominación de este disco era “Diamante negro”

Gracias a la fama ganada con el éxito de este disco, en los años 50 lanzó su carrera en el cine protagonizando Flor del Campo, posteriormente realizaría varias interpretaciones en los Estados Unidos referentes a su música.

Dio su gran salto a la música verdaderamente lirica en el año 1961, un año con fuertes acontecimientos políticos en el país Sudamericano que lo vio nacer, posterior a ello intentó institucionalizar la ópera en su país de origen, cosa que no pudo lograr. Luego pasó su vida en la ciudad de Nueva York donde se radicó, pero pasando la mayoría de su tiempo viajando desde esa ciudad hasta la capital de Venezuela y Colombia.

No pudo completar su participación en el Metropolitan Opera de Nueva York ya que su salud dio un giro inesperado y empeoró drásticamente, por lo que decidió viajar a la ciudad de Caracas en el año 1989, donde falleció, dejando un increíble e importantísimo legado para la historia de la música Venezolana, considerado el más grande de todos los tiempos.…

Un poco de historia de Depeche Mode

Que Depeche Mode son unos auténticos gigantes de todo cuanto tenga que ver con la música electrónica parece ser una verdad como un templo que todos los amantes a la música tienen bien presente. Sus miembros se han forjado disco a disco y tema a tema un prestigio que perdurará con los años.

Martin Gore, uno de los tres miembros fundadores de Depeche Mode y compositor habitual de los temas, aparcó el pasado año la monotonía exitosa que venía experimentado con su banda de siempre. Así, Gore publicó en solitario ‘MG’, lo que supuso su estreno discográfico lejos de Depeche Mode.

En ‘MG’, siglas del nombre y el primer apellido del autor, Martin Gore, el músico daba riendo suelta a su imaginación y a sus gustos musicales más primarios. Por medio de 16 temas, Gore realizaba un exhaustivo repaso al mundo de la música electrónica. Con el sello discográfico Mute como aval para la calidad del álbum, ‘MG’ hacía un viaje hasta la evocación de la electrónica más clásica y básica.

La escritura y la producción también corrieron a cargo del alma máter de Depeche Mode, quien llegó a utilizar el estudio de su propia casa abierta en Santa Bárbara para trabajar en lo que ha resultado ser ‘MG’. Fue al final de la gira ‘Delta Machine’ que llevó a cabo con Depeche Mode cuando decidió lanzarse a nuevas aventuras, en este caso sin sus escuderos habituales, Vince Clark y Andrew Fletcher.

Y es que Martin Gore llevaba ya varios años con la mosca detrás de la oreja, con la idea de que hacer un álbum de música electrónica instrumental era lo que le estaba apeteciendo. Los climas que este disco ha logrado crear nos conducen a parajes y situaciones sensitivas propias de la ciencia ficción o del futuro. Comenta el propio autor que quería realizar una música electrónica ciertamente cinemática.…

Las Sopranos de Colombia que dan mucho de qué hablar en el mundo

Catalina Cuervo

Esta soprano colombiana ha triunfado sin lugar a dudas en los terrenos de Norteamérica, y lo más impresionante es que lo ha logrado participando con diversas compañías en el área, pues sin lugar a dudas es una cantante lírica de increíble talla mundial. Actualmente se encuentra protagonizando la opera denominada Frida, establecida por la compañía Michigan Opera Theater en el Estado de Detroit. La artista que además de ser cantante de ópera es Bailarina árabe y modelo, es sumamente reconocida por sus incontables apariciones en la obra de Piazzola “María de Buenos Aires”

Zoraida Salazar

Sin duda alguna una de las cantantes de ópera más importantes de toda Colombia, con una trayectoria de más de 30 años en la carrera y con presentaciones por diversas partes del mundo, Zoraida Salazar ha sido galardonada en muchísimas ocasiones por su espectacular voz y sus increíbles interpretaciones, siendo ganadora del premio Luciano Pavarotti en 1981 solo dos años después de haberse graduado y haber establecido su residencia en la ciudad de Milán.

Juanita Lascarro

Su reconocimiento es debido a su interpretación en Dafne, pues ha interpretado este papel en diversas ocasiones y lo ha hecho de manera estupenda, hoy en día es miembro estable de la Ópera de Frankfurt desde el año 2002, lo que sin lugar a dudas la posicionan en una artista con muchísimo éxito en el área de la ópera, ya que este es uno de los teatros que alberga la mayor cantidad de personas alrededor del continente Europeo, pues cuenta con una capacidad de 1400 espectadores para sus producciones. Su madre fue un pilar fundamental para emprender su carrea, ya que también fue una excelente cantante de ópera, esta increíble mujer maneja varios idiomas en su escaparate y posee una voz esplendorosa.

Alexandra Zabala

Esta increíble cantante colombiana, fue alumna del mismísimo Pavarotti, pues el Tenor la convirtió en su pupila luego de que esta quedara como finalista un importantísimo concurso de canto lírico.

Su participación en producciones como Rigoletto de Verdi y La bohème de Puccini, han dejado muy en alto el nombre de sus maestros, pues en Colombia también fue alumna de Carmina Gaño y su logro más impresionante ha sido en el concierto “Vissi d’arte” al cantar con el magnífico Andrea Bocelli.…

Cora Novoa

Hablar del nombre de Cora Novoa es hacerlo de una mujer que se ha convertido en un auténtico referente de la música electrónica española. Dicen los seguidores de los sonidos electrónicos que Novoa es una especie de gurú en nuestro país que condiciona en estos días cómo se va desarrollando la electrónica.

Cora Novoa es una DJ y productora musical que ha experimentado un curioso viaje por las cinco líneas del pentagrama: dejó de tocar la flauta travesera para pasar a componer música con ordenadores. Así, Novoa creó su propio sello discográfico, el cual ejerce una fuerte influencia en críticos y aficionados a la música electrónica.

Con peinado de flequillos colganderos que amenazan la mirada, todo cortado por igual, y un tinte de rubio platino, la figura de Cora Novoa se muestra hegemónica en las salas de música electrónica de toda España. Esta gallega de 31 años ha salido disparada desde Ourense hasta lo más alto de la electrónica nacional. Joven, mujer y exitosa, parece difícil; pero viendo cómo Novoa se desenvuelve en este mundo de sonidos electrónicos en el que los hombres son mayoría, todo es más comprensible.

Por medio de sus sintetizadores, sus bases dotadas de gran vigor y fuerza y sus emotivas y sensibles live sets, Cora Novoa ha empezado la conquista del mundo. De momento no le va mal, ya que Europa empieza a rendirse también a sus pies, una vez ganados los corazones del país patrio.

Con una formación desarrollada en los parámetros, las costumbres y las disciplinas de la música clásica, Cora Novoa se inmiscuyó en la electrónica para poder combinar dos de sus pasiones, que no son otras que la tecnología y la música clásica. Su capacidad para ejercer influencia en el gran público y en los fans de la música electrónica ha hecho que la mismísima marca de Whiskey Jack Daniels la haya elegido como imagen para una de sus campañas publicitarias.…

Electronica en Eurovision

La música electrónica parece estar apoderándose poco a poco del Festival de Eurovisión. Es más que llamativo ver cómo la cita musical del viejo continente ha sabido reinventarse y modernizarse, echando mano de sonidos más actuales. Lejos quedan ya aquellas interpretaciones de cantantes del todo modosos acompañados de canciones pop de lo más ñoñas y aburridas.

Si pensamos en que artistas españoles como Serafín Zubiri o Mikel Herzog pisaron las tablas del escenario de Eurovisión en estos últimos veinte años con canciones de lo más lentas, realmente nos sorprenderíamos al compararlos con la actualidad. Este año ha sido Barei quien con ‘Say Yah!’ ha llevado a Eurovisión representando a España una propuesta con bases de música electrónica y con un cierto toque pop irreverente y pegadizo.

Nada queda de aquellas baladas o de aquellos medios tiempos románticos y melodiosos. La música electrónica lo invade todo y cada vez más países se presentan en Eurovisión con planteamientos que tienen la electrónica como principal eje.

La prueba más notoria de cómo la música electrónica y Eurovisión han cuajado un matrimonio de lo más satisfactorio la encontramos en Loreen, cantante sueca que con el tema ‘Euphoria’ ganó el festival. Se trataba de una canción netamente electrónica que trascendió las meras barreras de Eurovisión y que acabó por hacerse sonar en las pistas de todo el mundo, merced a un éxito increíble. La propia Loreen definía sus propios temas como una mezcla de música electrónica y música orgánica.

‘Euphoria’ volvió a poner de manifiesto cómo la música electrónica es un vehículo sonoro fenomenal para despertar sensaciones en el prójimo. La sensación de euforia que la canción transmitía era absoluta, llegando a conjugarse el título de la canción con las bases electrónicas, con la letra del tema y con la sensación de eufórica liberación de los fans de Loreen.…

Festivales electronicos en España

Aunque tal vez la música electrónica no sea de los géneros que cuenten con más seguimiento y repercusión en el Estado español, lo cierto es que sí tiene entre el público nacional muchos fieles. La música electrónica goza de un espacio propio y es capaz de movilizar a un número importante de aficionados a su universo sonoro y cultural.

Una prueba irrefutable de que la música electrónica goza de buena salud en nuestra tierra es el Sónar Barcelona, un festival que sirve de auténtica referencia para la electrónica. Concebido hace más de veinte años por el periodista musical Ricard Robles y los músicos Sergio Caballero y Enric Palau, el Sónar ha ido creciendo mucho y bien en todo este tiempo.

Desde los orígenes hasta la edición de 2012, el festival se celebró en el centro de la ciudad condal, con las instalaciones del CCCB y el MACBA y con espacios urbanos como la Capella dels Àngels o la Plaça dels Àngels como marco. Desde el 2013, la ubicación del festival cambió hasta las instalaciones de Fira Barcelona, lo que hizo que el carácter urbano de la cita no se perdiera, ya que zonas como Montjuïc o Plaza d`Espanya ganaban ahora protagonismo.

Por el Sónar ha pasado lo más granado de la música electrónica. Artistas como The Chemical Brothers, Björk, Pet Shop Boys o LCD Soundsystem han desfilado por los escenarios de la cita barcelonesa. Y es que la capital de Cataluña, gracias al Sónar, pasa a ser durante unos días la capital mundial de la música electrónica. Además, el impacto del evento en la economía de la ciudad y de la región es enorme; en el año 2007, por ejemplo, el impacto de Sónar fue de 52 millones de euros. El sello de identidad de Sónar se ha expandido en estos años hacia otras latitudes; ciudades como Lisboa, Roma, Washington o Sao Paulo han podido disfrutar con la filosofía electrónica del festival.…

Estos han sido los mejores cantantes de ópera

A lo largo de los años, impresionantes artistas han quedado en los corazones de la personas por sus impresionantes personificaciones y su deslumbrante voz, pues la ópera es sin duda una de las ramas del arte escénico más longevo que existe en la historia de la humanidad, y algunos cantantes están escritos en las páginas de la historia humana con tinta indeleble, pues su genialidad no ha tenido límites, es por ello que siempre hay que recordarlos como lo que eran, los más grandes cantantes de ópera de todos los tiempos.

En 1873 nació en Italia un niño que sin duda alguna deslumbraría al mundo con su maravillosa voz, pues él puede ser considerado como el más grande de todos los tiempos, ya que su fama lo llevó a niveles estratosféricos y su voz llevaba a mundos inimaginables, hablamos en este caso de Enrico Caruso el Tenor del mundo.

Luciano Pavarotti

Para muchos el sucesor propicio para Enrico, pues hoy por hoy es considerado el más grande en la actualidad, a pesar de su fallecimiento en 1977, Luciano Pavarotti llegó al corazón de las personas que incluso lo compararon en su grandeza con el indiscutible Enrico Caruso.

María Callas

Sin lugar a dudas si Caruso y Pavarotti destacaban como tenores en el ámbito de ópera masculino, La soprano María Callas es considerada sin lugar a dudas la más grande de todos los tiempos, su voz era angelical pero a la vez fuerte, y te hacia flotar una vez la escucharas, como si tu alma fuera llevada por los cantos de una sirena.

Beniamino Gigli

Tenor favorito del Metropolitan Opera de Nueva York, fue considerado uno de los grandes del siglo XX, pues era un excelente compositor además de cantante de ópera.

Jussi Björling

Con muy poca fama en Italia de manera irónica, este cantante fue el único en interpretar por 20 temporadas seguidas su maravillosa voz en el Metropolitan Opera de Nueva York, hijo de padres músicos, fue una leyenda impresionante.

Richard Tucker

Para muchos, Tucker estuvo entre los mejores tres cantantes de todos los tiempos en ópera, pues las notas alcanzadas por este Señor eran increíblemente impresionantes, el canto dramático fue lo suyo, y encantaba al público con sus interpretaciones y notas altas.…

Hazte un duo

Los dúos suelen estar asociados al más absoluto de los éxitos en lo que a la música electrónica se refiere. Ahí están los ejemplos de los franceses Daft Punk o de los alemanes Modern Talking. A ellos habría que añadir otra pareja de enorme talento en todo lo que tiene que ver con el sonido electrónico, The Chemical Brothers.

Formado por los ingleses Ed Simons y Tom Rowlands, el grupo fue ganándose una merecida fama merced a la intensidad que derrochaban en los conciertos en directo, en los que en muchas ocasiones estaban acompañados por otras formaciones con pedigrí, como Fatboy Slim o The Prodigy.prodigy

The Chemical Brothers además pueden presumir de haber cambiado en la medida de sus posibilidades el curso de la historia de la música, ya que fueron ellos los que lograron forjar un nuevo estilo, el big beat. No obstante, la forma de explorar en multitud de sonidos de la que el dúo británico ha hecho gala en estos años les ha conducido por estilos como el house, el techno, el dance alternativo, el rock electrónico o el trip-hop.

Sin duda, la música electrónica es el sello de identidad con el que el gran público conoce a The Chemical Brothers. Con casi una decena de discos a sus espaldas y más de veinte años de trayecto, el grupo sigue adelante con más fuerza que nunca.

Tras publicar el pasado año ‘Born in the Echoes’, el dúo ha vuelto a tener una excusa para hacer lo que mejor se les da, arrasar con sus actuaciones en directo. Y es que a la historia han pasado sus interpretaciones en festivales de máxima exigencia como cerrajeros Badajoz, Summercase, Creamfields, Sónar o Glastonbury. En las canciones pinchadas de The Chemical Brothers, sus mejores aficionados pueden descubrir cómo las mezclas que llevan a cabo en directo varían de unos conciertos a otros, lo que hace que refutemos por completo la idea de que tienden a abusar de lo grabado en sus citas en vivo.…

Steve Aoki

Los espectáculos en vivo que el DJ Steve Aoki ofrece se han convertido en unos eventos cuya repercusión mediática va más allá de la música electrónica. Miles de personas asisten a cada una de sus sesiones, a cada uno de sus conciertos. Y es que la fama de este DJ ha ido creciendo como la espuma en todo el mundo; Europa, Asia y diferentes latitudes de América se han rendido al talento de este estadounidense de ascendencia japonesa.

Sin ir más lejos, Costa Rica acogió el pasado mes de enero una cita importante con Steve Aoki como protagonista. Se trató de la celebración del festival de música electrónica 6DK. Aoki puso la guinda a este festival con una actuación de seis horas continuadas en las que la música electrónica hizo las delicias de todo el público asistente.

Aoki, consolidado ya como uno de los diez mejores DeeJays del mundo, contó en la cita de Costa Rica con el DJ también estadounidense Jack Novak como telonero. Antes del gran protagonista de la noche también entraron en escena figuras importantes de la música electrónica del país organizador, como son Tocuma, Jurgen Dorsam y Javier Portilla & Sotela, costarricenses que se convierten en profetas electrónicas en su propia tierra.

Cuatro años pasan ya desde que Steve Aoki lanzase su álbum de debut, aquel que llevó por título ‘Wonderland’ y logró conquistar los oídos y los corazones de millones de seguidores; en ‘Wonderland’ aparecían además colaboraciones como las de Will I Am, Kid Cudi, LMFAO o Travis Barker. Después llegaron los dos discos de ‘Neon Future’, la consolidación absoluta de Steve Aoki, la confirmación de que había nacido una estrella que venía para quedarse.

Costa Rica vibró con Aoki, como lo han hecho muchos países en este último lustro. Turquía, Alemania, Dubai, Brasil, Líbano, Reino Unido o Estados Unidos han disfrutado con la música electrónica de este prestigioso DJ. España también se ha abonado a las peripecias sonoras de Aoki.…